세계미술사에 기록된 작품이나 유명 미술관의 소장 작품이 모두 이해하기 쉬운 그림만으로 채워진 것은 아니다. 추상화처럼 불분명한 형태가 아니라 이미지가(도상) 있는데도 도통 무엇을 그린 것인지 알 수 없는 그림들도 즐비하다. 누군가 속 시원하게 해석해주는 사람이 없다면, 영원히 수수께끼로 남겨질 그림들. 일명 알레고리가 가득한 상징성 진한 그림들은 흥미로운 만큼 해석이 어렵다.

퍼즐을 풀어가듯 해석하는 즐거움

알레고리는 작품에 내재한 의미가 시각적으로 보이는 것과 다르게 또 다른 의미를 함축하고 있는 것을 뜻한다. 한마디로 ‘눈에 보이는 것이 전부는 아니다’란 의미다. 알레고리는 기본적으로 서사구조를 지닌 문학, 영화, 연극의 예술영역에서 사용되어 이야기 전체를 이끌어가는 총체적인 은유로 사용된다. 그러나 기승전결이 불투명한 미술에서는 단절적 이미지를 통해 함축된 알레고리 의미를 파악해야 하는 어려움이 있다. 알레고리 비유법으로 그려진 그림의 의미와 작가의 의도를 읽어내기 어려운 이유이다.

홀바인의 <대사들>, 브론치노의〈비너스, 큐피드, 그리고 시간(욕망의 알레고리)>, 루뱅 보갱의 <오감>, 얀 반 에이크 <아르놀피니부부의 초상화>, 베르메르의 <신앙의 알레고리>, 스탠비크의 <정물-바티타스의 알레고리> 등이 다양한 알레고리로 가득한 대표 작품들이다. 이 작품들에는 다양한 오브제가 등장하고, 각각의 오브제가 그림 전체를 이끌어가는 핵심요소로 퍼즐을 풀어가듯 해석해야 하는 알레고리가 담겨있는 공통점이 있다. 이 중에서 현재 런던 내셔널 갤러리 소장품으로 사랑에 대한 알레고리를 독특한 화면구성으로 표현한 그림이 있다.

피렌체의 화가 아그놀로 브론치노(Agnolo Bronzino, 1503~1572)가 그린〈비너스, 큐피드, 그리고 시간(욕망의 알레고리)>이다. 브론치노는 세련되고 우아한 초상화를 즐겨 그리는 화가이자 마니에리스모(manierismo) 양식을 대표하는 화가이다.

<비너스, 큐피드, 그리고 시간(욕망의 알레고리)>은 1860년 영국에서 파리의 화상으로부터 사들여 현재 런던 내셔널 갤러리가 소장하고 있지만, 본래 메디치가의 코시모가 프랑스 국왕 프랑수아 1세가 에로틱한 그림을 좋아하는 것을 알고 선물로 제작한 그림이다.

알레고리 의미 알면 숨어있던 진실 드러나

브론치노-알레고리

우선 화면과 인물구성이 매우 번잡하게 얽혔다. 구도는 르네상스 시대의 원근법이나 명암법과 같은 회화적 혁신을 철저히 무시했다. 무분별한 색채의 사용은 조화로움과는 한참이나 동떨어져 보인다. 보는 이를 더욱 불편하게 만드는 것은 인물구성이다.

화면중심에 그려진 남녀의 정체가 궁금하다. 부자연스러운 남녀에게서 날개, 황금 사과, 화살을 발견하지 못했다면, 이 커플이 큐피드와 비너스라는 것을 알지 못했을 것이다. 그러나 정작 두 인물이 큐피드와 비너스라는 것을 알고 나니 이들이 취하고 있는 자세가 더욱 불편하게 느껴진다. 아들이 엄마의 가슴을 만지는 것쯤은 인정한다 해도 입술을 맞대고 진한 키스(deep kiss)를 하는 모습은 어색하고 민망하다. 낯설고 어색한 인물은 큐피드와 비너스뿐만 아니다.

화면에 등장하는 갖가지 오브제가 인물구성과 얽혀 많은 이야기를 쏟아내고 있다. 비너스와 큐피드의 관계를 축하하듯 천진난만한 웃음을 머금은 채 두 손 가득 꽃을 들고 뿌릴 듯 다가오는 금발의 소년은 무엇을 의미할까? 얼핏 축복이 떠오르지만, 소년의 오른발이 가시에 찔린 것을 보면 축복보다는 육체적 쾌락의 덧없고 어리석음을 알려주는 인물에 어울린다. 소년의 발아래 남녀가면은 기만을 상징한다. 소년의 뒤로 등장하는 정체불명의 소녀는 인간의 얼굴을 하고 있을 뿐, 몸은 물고기 비닐과 날카로운 사자의 발톱, 뱀의 형상으로 되어 있다. 괴물같은 몸체에 오른손과 왼손의 위치가 바뀌어 있는 것은 진실의 뒤바뀜, 변덕을 상징한다. 큐피드 옆에서 찡그린 얼굴을 하며 두 손으로 머리를 감싸고 있는 인물은 질투의 화신이다. 질투의 여인 위쪽에서 노인과 장막을 두고 다툼하는 뒷머리가 없는 여인은 망각을 의미한다. 망각의 인물과 마주한 노인은 시간의 상징인 크로노스이다. 모래시계가 그의 존재를 일깨워준다.

결국, 그림 속 알레고리를 조합해보면 이렇다. 사랑(큐피드)은 육체적 아름다움(비너스)을 탐닉하는 욕구를 지니게 되는데, 육체적 쾌락 뒤에는, 변덕(소녀)과 기만(가면), 질투(노파)가 순수한 사랑(비둘기)을 망각(뒷머리 없는 여인)하게 만든다. 그러나 시간(노인)의 장막이 걷히면 사랑 속에 숨어있던 진실들이 드러난다. 다시 말하면 “아름다운 사랑도 시간이 지나면 쾌락, 기만, 질투, 망각으로 순수한 사랑이 퇴색되고, 결국에는 사랑의 진실을 깨닫게 된다”는 셈이다.

제프쿤스, 스탠비크, 데미언허스트 작품의 알레고리

알레고리 작품은 주로 14세기~17세기에 가장 활발하게 제작되었다가, 18세기 산업혁명 이후 과학적 논리에 근거한 작품들이 미술계를 지배하면서 약화되었다. 그런데 현대미술에서 새로운 형식으로 접근하는 비판적 시각의 알레고리 작품들이 등장한다. 흥미로운 일이다. 차이점이 있다면 과거에는 한 작품에 배치한 다양한 사물들을 총합의 알레고리로 이끌었다면, 현대미술은 특정한 사물로 직설화법의 알레고리를 표출하는 점이다. 예를 들어 데미언허스트의 <신의 사랑을 위하여>는 스탠비크의<정물-바티타스의 알레고리>에서 표현한 두개골과는 분명 다른 시각에서 풀어낸 알레고리이다. 제프쿤스의 <풍선개>시리즈 역시 동물로 인간세상을 풍자했던 이솝우화의 알레고리가 거대한 입체물로 표현되었을 뿐 알레고리 틀거지 속에 있는 작품이라 할 수 있다.

과거미술에서의 알레고리가 전통적으로 교훈적이고 도덕적인 내용을 전달하는 것에 무게를 두었다면, 현대미술에서의 알레고리는 종교와 전통의 옷을 벗어낸 개별적 시선을 통한 사물의 재해석으로 표출되고 있다.

이 점에서 사랑, 행복, 기쁨, 죽음, 쾌락 등과 같은 추상적 개념을 표현하거나 어떤 진실한 가치를 깨우쳐주는데 가장 적합한 알레고리가 현대미술에서 어떠한 표현방법으로 제시되는가는 흥미롭게 지켜볼만 하다. ‘말하고자 하는 바를 그대로 드러내지 않고 다른 것에 빗대어 설명하는 방식’의 알레고리 의미가 사라지지 않는 한 새로운 형식의 알레고리는 작품을 읽는 재미와 작품이 주는 감동을 동시에 느낄 수 있는 수사법이다.[글=변종필 양주시립장욱진미술관 관장, 미술평론가(jpdada@hanmail.net)]

<저작권자 ⓒ 중기이코노미. 무단전재 및 재배포 금지>